Mois : octobre 2024

Faisons simple, je vais pas vous faire attendre. Quand un titre commercial n’est qu’une façon pour le distributeur de se « débarrasser » vite des 3-4 weebs qui veulent voir une des œuvres de 2022 (voir l’anime de 2022) et de ses deux films récaps, il écrit un truc commercial vite fait bricolé par deux trois types qui ne comprennent pas la symbolique dans l’animation japonaise.

Ouais parce que les cons qui payent pour aller voir ces films, ces cons pour qui SensCritique m’a répondu que « c’était plus simple de conserver le titre donné par Crunchyroll » loupent clairement une info, et qui selon moi est de nature a manquer un poil de respect à l’œuvre.

Pourquoi?

D’abord deux liens imdb et deux vidéos de promotion.

Bocchi the Rock Re:
https://www.youtube.com/watch?v=EKedY3tedTY
https://www.imdb.com/title/tt32561659/?ref_=fn_al_tt_2

Bocchi The Rock Re:Re:
https://www.youtube.com/watch?v=duo1scb3dL0
https://www.imdb.com/title/tt32576588/?ref_=fn_al_tt_3

Les films ne sont pas sortis en même temps dans leur pays d’origine. Mais ça, le diffuseur et certains sites s’en foutent, les 3 ou 4 cons que ça affectent c’est sûrement des gamins. Bah non.

C’est important de respecter une œuvre. C’est même le BA.BA de la critique, qu’on en dise du mal ou du bien. La tourner en dérision c’est aussi la respecter.
Mais ne pas la reconnaître…

Et pourquoi « Re: » et « Re:Re: » sont importants en tant que titres? Et bien… car le premier est une sorte de réponse à la série, qui rajoute certains trucs omis. Et l’autre, pour les gens qui ont quitté la salle trop tôt, se termine par une chanson d’Asian Kung Fu Generation. Comme la série. Et cette chanson ne s’appelle pas « Recap Part 1 et Part 2 ». Elle s’appelle Re:Re: . Voilà. C’est si facile de respecter le film récapitulatif de l’anime.

Mais quand on est un diffuseur et qu’on pense qu’il est utile de précisier que Frieren, son aventure se déroule « après la fin de son voyage » parce que bon, le téléspectateur il est trop con, quand on est un site qui croit que c’est plus simple suivant la gueule du client de nommer les films multiples. Les films Aobuta ont eu le droit à une séparation. Normal, l’histoire est différente. Mais Bocchi The Rock n’aura pas la possibilité de faire comprendre que Re:Re: c’est important comme simple nom de film. C’est une forme de censure, par ingorance. Mais pour ma part, ça m’a permit de quitter un site dont l’api ne fonctionne pas et le site est codé en java surement. Ah on me fait signe qu’il n’y a pas d’API. Surement pour garder captifs les users et qu’ils bouffent de la pub. Good Riddance.

P.S: oui je suis un poil en colère de cette simplification contre l’avis des auteurs / réalisateurs. JAMAIS ça n’arriverait sur du Disney. Mais les merdes japonaises là… surtout quand c’est pas One Pïece… ça se fait pisser dessus. C’est qu’un anime avec une fille bizarre qui joue de la guitare doivent-ils penser les éditeurs / distributeurs / sites spécialisés, ça ne vent rien. C’est vrai, ça ne fait pas vendre grand chose. Mais c’est exactement ce genre d’attitude qui appauvrit les arts en les cantonnant à la même merde formatée. Mais ouais, vous aimez l’art.

P.S.2: et histoire de compléter les conneries que je raconte, Re:Re: est l’opening de Erased. Ouais encore un anime sans prétention où il n’y a ni zombies / vampires / diables ou de la bagarre pour les mâles alpha qui mangent 1kg de viande par jour.

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Cet avis était initialement sur SensCritique, je préfère l’avoir ici

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La petite Frieren

4 ans après le début des aventures de « Sousou no Frieren »

Un jour il y a quelques années, une artiste nommée Kanehito Yamada décida de conter l’aventure d’une petite elfe, assez jeune, qui allait changer pas mal de choses. Elle aura à cœur de le faire et cela depuis 4 ans, remportant plusieurs prix (dont le quatorzième manga Taisho awards).

Et puis, j’imagine que cela s’est passé comme cela, Kanehito sensei a été contactée, probablement pour lui indiquer que son œuvre serait adaptée en anime. Cette œuvre si simple, qui ne parle au début que d’une simple aventure de 10 ans. Une aventure à la fois courte, à la fois longue. Une aventure pour tuer le roi démon, une aventure victorieuse.

Cela fait maintenant 10 ans que cette aventure a commencé, et elle prend fin maintenant. Frieren, l’elfe mage et ses compagnons sont de retour après une décénnie qui paraît si longue à Himmel le Brave, Heiter le prêtre un peu trop accro à la bouteille et Eisen le nain à la force redoutable. Mais pour Frieren, c’est comme un battement de cils, elle qui vit depuis des centaines d’années. Quittant ses camarades pour poursuivre sa quête de sorts plus inutiles les uns que les autres, elle revient un jour et découvre que ses camarades sont désormais vieux, alors qu’elle est toujours une jeune elfe. Mais la mort finit toujours par rattraper les humains, et Himmel le Brave va quitter le groupe pour s’en aller ailleurs où son âme reposera. Frieren se rend alors compte que la vie de ses camarades était très brève, elle l’apprend en souffrant comme jamais, et décide de réaliser leurs demandes au final, car qui sait combien de temps elle pourra encore profiter de ses amis…

Préambule: vous allez chialer dans cette série. Vraiment. Parfois même pour un détail, mais ça fait TRES mal. Vous pleurerez car Frieren ne va pas forcément ressentir, vous savez un peu comme cette jeune fille qui lui ressemble un peu dans le caractère, une certaine… Violet Evergarden. Nous allons en reparler un peu plus tard, il n’y a pas de hasards, surtout pas dans cet anime.

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Animation

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L’animation et le soin apporté au graphisme est simple: regardez simplement les cheveux de Fern. La longue chevelure de notre petite mage est animée à la perfection. Et ce n’est pas que ça, je prends un exemple avec Stark et ce fameux dragon. La scène est courte (comme la majorité des scènes d’action dieu merci, on est pas sur un anime pour adolescent en mal de combat), mais bon sang la façon dont elle est restituée est folle. D’ailleurs je parle de Fern mais le manque d’expressivité de Frieren est assez spécial, car c’est bien la première fois qu’une femme aussi stoïque exprime autant de chose par son attitude générale. Vraiment ça, c’est quelque chose qui mérite d’être souligné, peut-être plus que le détail capillaire à propos de Fern. Cela jouera sur votre appréciation de l’oeuvre, car les sourires de Frieren valent très cher.

Petite remarque cependant sur l’inexpressivité qui prévaut pendant une partie du récit sur le charadesign. A ce niveau d’animation et de dessin, on sent que c’est un choix assez fort, et qui rend les larmes ou les sourires d’autant plus importants et acteurs même de l’histoire. Mieux, regardez le personnage de Frieren et vous pouvez lire facilement ce qu’elle pense en regardant son expression faciale. C’est pas mal du tout et ça indique que finalement, ce qui a été la charnière pour la représentation de l’oeuvre est avant tout les personnages et leurs expressions. Les combats, la 3d ou tout le reste n’a pas été hyper boostée pour flatter l’oeil de l’amateur de sensation car la sensation vient de l’émotion montrée et pas de l’action outrancière.

Mais j’ai omis de parler de l’éléphant dans la pièce, car Madhouse est plutôt discret depuis ces dernières années. Et si c’était pour faire ça… et bien c’est largement justifié. Le travail sur la partie graphique montre que Madhouse est toujours l’un des plus grands, si ce n’est le plus grand avec Kyoto Animation (n’en déplaise à certains). « A place further than the Universe« , autre de leurs animes qui a clairement marqué son époque, était déjà un petit joyau dans son style ultra épuré et glacial, vraiment un anime à découvrir. Et là encore une fois ils prouvent que s’ils veulent, ils peuvent. Ce qui est un peu dommage c’est que les plus jeunes d’entre vous ne connaissent pas vraiment ces studios qui sont devenu moins actifs pour diverses raisons. Mais sachez que Madhouse est clairement un studio à suivre, plus que d’autres et leur cgi 3d à en dégueuler de violence graphique (parce que, vraiment, que quelqu’un empêche le studio GoHands de faire de la 3d, pitié, je vais probablement devoir porter des lunettes bientôt et ça je le dois en partie à l’horreur de leurs productions comme Suki na Ko ga Megane o Wasureta).

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Sons / doublage

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L’opening numéro 1 est certainement l’un des meilleurs de 2023 et sans mentir, il me touche directement comme celui d’un certain Yoasobi pour Oshi no Ko. Cela tombe bien, c’est encore ce duo qui réalise un op à la rythmique variable et avec des accords musicalement unique (comme pour Idol). Je suis désolé pour Ado qui a de très grand op aussi mais là on est sur autre chose.

L’opening numéro 2 change la tonalité dans les paroles, et est plus décousu musicalement mais très intéressant (faire plus décousu que Yoasobi est déjà un exploit lol). A vrai dire cet opening, quand traduit, montre une magnifique déclaration d’amour tellement précise et sur mesure pour l’anime… je vous re commande la vidéo de « Hiromi Soooo Japonais » qui l’a interprêté et traduite. C’est à en avoir les larmes aux yeux.

Et pour être honnête, l’ending et sa variation sont une perle, un des ending qui saura se graver dans votre esprit. En fait c’est plus que ça, toute la sonorisation par Ervan Call est du même niveau que pour Violet Evergarden. Je vais dire un truc pour la première fois dans cet avis: cet anime est fait pour durer dans la japanime, on va en parler TRES longtemps, plus qu’Oshi No Ko et les autres, plus même que le précédent du réalisateur (Bocchi The Rock!, et croyez moi ça me coûte beaucoup d’écrire ça).

Et comment ne pas parler de l’acting d’Atsumi Tanezaki en tant que Frieren, elle est plus que le personnage. Rarement on sent une interprétation si fusionnelle, même lorsque Frieren s’adoucit un peu au contact des gens et qu’elle comprend de plus en plus. C’est subtil, tout en respiration et en petits rictus parfois, elle fait un grand travail. Pas étonnant que sur certaines récompenses elle soit au top, mettant presque le travail de Kana Ichinose et des autres au second plan. Et pourtant! Même sur les seconds rôles, c’est du très grand travail. Je prends pour exemple Ayana Taketatsu qui interprète Aura dans un registre que personnellement, je ne lui connaissais pas! Et Sayumi Suzushiro dans un rôle comme celui de Lawine… bref j’ai l’impression de redécouvrir des actrices et des acteurs autour de cette oeuvre si singulière.

Je n’ai même pas trop insisté sur le rôle d’Ervan Call qui a semble-t-il adapté sa musique à l’anime presque à la volée… comme pour la partie graphique il y a tellement de travail sur cet anime, ce serait injuste pour ceux qui le remarque de ne pas le notifier. Et c’est tout de même amusant qu’il soit là pour un personnage comme Frieren qui, personnellement, m’a pas mal rappelé Violet Evergarden. Il avait déjà réalisé l’OST pour l’ensemble de l’oeuvre qui mettait en scène la magnifique Violet, et on sent qu’il a saisi l’opportunité de voir un personnage qui a pas mal en commun avec notre rédactrice de lettres préférée.

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Histoire / scénario

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Pour comprendre cette œuvre, il faut intégrer d’une part le fait que Frieren est l’observatrice et qu’on vit comme elle vit, et d’autres part que l’on ressent comme elle, elle qui est d’une certaine manière ce que l’on appelle une Kuudere. Et c’est bien l’une des premières fois où, comme dans Violet Evergarden, l’héroïne est plutôt réservée, peu bavarde, infiniment gentille mais a des difficultés à comprendre les autres. Dans le passé, ce genre d’archétype de personnage était au second plan (comme Yuki Nagato dans La mélancolie d’Haruhi Suzumiya, Kanade Tachibana dans Angel Beats!… etc…). Mais à la différence de celles citées précédemment, Frieren est une elfe, a une vie quasi infinie et n’a pas les envies, ressentis et autres qu’on les humains. Je tenais à ce que ce soit clair pour comprendre pourquoi cet anime a réussi quelque chose de vraiment immense.

Dès le début, le temps est au tempo de Frieren. Le premier épisode relate la fin de son aventure avec Himmel le Brave, Heiter le prête un peu portée sur la bouteille et le courageux nain Eisen. L’aventure est donc finie vers le premier épisode, et ce en quelques minutes. Frieren les quitte alors, malgré un périple de 10 ans ensembles, elle veut continuer sa quête de sorts magiques et de bibelots inutiles. J’ai oublié de le préciser, Frieren est une mage, une mage très particulière. Quelques temps après, elle revient rendre visite à ses compagnons d’aventure, car si l’aventure où ils vaincurent le roi démon était merveilleuse, elle voulait contempler une fois avec eux un spectacle unique. (que je vous spoile pas).

Mais hélas pour Frieren, ce dernier moment magique sera aussi une prise de conscience, une fin et un début d’autre chose. Elle comprends alors que la vie humaine est bien trop courte, et qu’on ne peut plus découvrir ou en apprendre plus quand un Héros nous quitte. La mort de Himmel le Brave est un déchirement pour elle. Elle n’aura dès lors à cœur que de mieux cerner les humains.

(et ça c’est juste le premier épisode)

Frieren a son temp à elle, je le redis pour que ce soit bien clair, le récit est calé sur sa perception des choses, et cela aide à mieux comprendre pourquoi l’histoire paraît si courte ou si longue parfois. Mais cette production est l’une des plus abouties au niveau temps du récit. En somme, il n’y a aucun temps inutile, aucun passage pour gagner du temps ou remplir un abysse vide de sens tannt le scénario serait pauvre. En réalité, tout dans Frieren a une importance. C’est d’autant plus difficile à rendre un film cohérent, complet et dense comme l’est par exemple Wall-E (avec notamment tout une intro muette qui continue de me laisser admiratif), mais si certains films le font sur un temps relativement court, cet anime le fait sur 28 épisodes de 25 minutes. A ce niveau là, il ne me paraît pas insensé de considérer que cet anime, par sa façon de toujours remplir le temps par de la logique dans les enchainements, est un des maîtres tout médias confondus. J’ai pas mal réfléchis avant d’écrire ça, mais quand on mets les films Disney sur un piédestal pour leur superbe prestation, il faudra aussi considérer que dans un autre format, Frieren existe et a fait ce que l’on a vu ici. C’est juste une question de placer des tropes de manière subtile, de ne pas user de trop d’artifices pour les faire revenir plus tard. Frieren est un anime précis, qui joue une partition écrite par une virtuose et réalisé par un chef d’orchestre extrêmement doué. Le récital de l’oeuvre est magistral, si bien que les combats sont insignifiants et n’ont qu’une portée plutôt symbolique. Ce sont juste des marqueurs, une virgule dans le scénario. Les amateurs de fantasy peuvent souffrir un peu, de mon côté cela ne me dérange pas, je n’aime pas la fantasy (sauf Frieren désormais).

Et si je parle de fantasy, je dois un peu parler de Frieren (et un peu de Fern). Notre observatrice est une enfant, car elle est plutôt jeune pour sa race et malgré cela elle apprends, encore et toujours. Et le fait que Frieren soit une elfe au centre du récit (pas comme Galadrielle par exemple), cela permet une nuance importante car elle ne ressent pas pareil, et cela semble être le commun des elfes dans cet univers. Plus tard elle rencontre dans le récit es elfes qui sont comme elles, assez insensibles aux notions relativement basiques pour les humains. Et c’est là que le génie du récit introduit Fern, une jeune mage humaine, qui va rencontrer la route de Frieren et qui va être près d’elle pour la caler dans un temps qui n’est pas du tout celui d’une elfe. Elle prend alors un rythme d’humaine, et se rend compte de beaucoup, beaucoup de choses. Le récit raconte d’ailleurs ce qu’il n’avait même pas effleuré au début, car si l’on a vu expédiée l’aventure de 10 ans qui a entrainé la chute du roi démon (et permit une paix qui propagera la magie chez les humains), le scénario apportera nombre de flashbacks sur cette aventure au sein même d’une autre aventure où Frieren reviendra un peu malgré elle sur ses pas. Et là, je vous assure que parfois, cela va être dur à vivre d’être le regard de Frieren, et ses sentiments.

Je vous laisse découvrir, mais cet anime aura tendance à ne pas vous laisser indemne.

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Conclusion

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Il est évident que la conclusion ici est que Madhouse est de retour, et signe ce qui sera, malgré d’excellents challengers, l’anime de 2024. Cela va être difficile de faire mieux, même si « The dangers in my heart » est un cador dans sa catégorie, et même si le reste (Hibike Euphonium, Yuru camp ou autre) arrive et défonce le plafond en terme de qualité, il y a un challenge que Frieren a relevé en terme de récit et de narration qui va être très très difficilement atteignable. Même « les carnets de l’apothicaire » dont l’héroïne est une sorte de Mary-Sue qui ne dit pas son nom et qui en fait est plus complexe, et bien même cet anime au scénario flamboyant n’est pas au même niveau. Le travail sur cet anime est monstrueux, cela se sent à chaque scène, cela déborde d’intelligence du simple détail de décors à la mise en scène. C’est la meilleure pub pour l’animation japonaise, pour le manga éponyme, c’est un appel à aimer ce média et à cesser de nous casser les noix avec ces productions qui seraient faîtes pour les ados ou les gosses. Frieren est tellement au dessus de tout ça, cette série surpasse toutes mes attentes, cette série a coché toutes les cases de ce que j’attends d’un anime. Cette série monte sur mon podium perso, directement, et sans trop forcer. Le personnage de Frieren est fascinant, tout comme celui de Fern et de beaucoup de second rôle (j’aime beaucoup Lawine et Kanne, elles sont adorables). Bref le Lore de cette série est infini, et pour ma part c’était bien la dernière série dont j’attendais quelque chose, j’étais plus confiant sur « les carnets de l’apothicaire« . Quelle claque! Quelle réussite. Quel travail! C’est ça, un chef d’œuvre, bien devant d’autres à qui j’ai pu donner ce titre. Enfin j’ai un maître étalon pour les années 202x en terme de qualité générale!

P.S: cet avis n’est pas à récupérer pour vos créations, ni pour donner de la visibilité, ni partiellement ou avec n’importe quelle excuse. Je vous envoie la fossoyeuse sinon.

P.S2: achetez le manga pour soutenir l’autrice, elle a fait un travail qui a abouti à cet anime, et ce travail est précieux, il faut lui montrer.

P.S3: j’ai même pas parlé du réalisateur… Bocchi The Rock!, puis Sousou no Frieren? Le gars sait tirer le meilleur des gens avec qui il bosse on dirait.

P.S4: Je n’ai pas écris cet avis suite à la sortie du dernier épisode, juste la conclusion car cet anime a pas mal chamboulé ma hiérarchie personnelle des animes, m’a forcé à prendre beaucoup de notes et à tenter de mieux comprendre ce qu’il disait. Maintenant, j’attaque le manga 🙂

P.S.5: et la VF est convaincante, sous la houlette de Brigitte Lecordier (qui fait même quelques voix j’ai cru entendre par moment, surtout des enfantss évidemment). C’est différent de la VO mais ça marche aussi 🙂

P.S.6: Non monsieur le Chef Otaku, Ervan Call n’est pas un inconnu, mais pour ça faudrait regarder autre chose que des nekketsu (ce qu’il reconnaît lui même. M’enfin merci pour la vidéo sur Frieren qui va faire découvrir l’anime à une audience qu’il n’aurait pas touché.

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La critique était sur SensCritique, elle a été rapatriée ici

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Un conte d’apothicaire

Ce qu’il y a de dingue dans ces productions d’animation japonaise, c’est que parfois il y en a plusieurs, de grande qualité qui sortent en même temps. Mauvais timing.

C’est typiquement ce que cet anime va subir, un peu éclipsé par un anime avec une petite elfe qui va faire longtemps parler d’elle. Mais si celui ci est une sorte de challenger pour un titre de l’anime 2024, il est clair que c’est une oeuvre que les fans d’enquêtes et d’aventure vont apprécier. C’est simple, j’avais pas aimé un anime comme ça depuis un certain « Gosick », et ça commence à dater un poil.

Mao Mao vit une vie assez tranquille avec son père apothicaire, mais hélas un jour elle se fait enlever et vendre comme servante à la cour de l’Empereur. Mais c’est mal connaitre Mao Mao, elle ne sera pas si docile et lorsque des héritiers impériaux tombent malade, elle va trouver un remède, attirant alors l’attention d’un certain Jinshi, un fonctionnaire au physique très attrayant qui va alors user des talents et de l’intelligence de notre petite apothicaire pour diverses tâches, enquêtes et missions!

Visuel:

Visuellement, l’anime en jette et est ultra brillant par ses représentations fastueuses de l’élite de ce pays, avec une représentation des courtisanes assez exagérée (dans leur formes), des enuques dont un (Jinshi) particulièrement attractifs et au milieu de tout ça, la petite apothicaire Mao Mao avec ses tâches de rousseurs distinctives qui est une personne ordinaire en apparence (mais qui aime les poisons, bizarre la meuf). Tout cet ensemble hétérogène est bien interessant à observer, d’autant plus qu’il y a aussi les concubines de l’empereur etc… rien n’est loupé et la simplicité de certains lieux est en total contraste avec les maquillages, ornements et autres que l’on retrouve pour l’exceptionnel. Cet anime rend tout bien, et n’emploie que peut de copiés collés par « flemme » (les scènes de banquets notamment m’ont un peu déçu, un peu baclé parfois). Ceci dit, le chradesign assez exagéré de certaines femmes m’a un peu géné car c’est un peu « too much » ! Mais admettons, c’est un style qu’a adopté l’anime, cela lui convient bien et même si je n’en suis pas fan à 100%, je concède que cela a un rôle dans le récit.

Bande son et doublage:

Les sonorités très très asiatiques de l’OST sont très plaisantes, sont vraiment bien dosées et relativement adapté aux circonstances. Il y a quelques chansons en insert song (je pense notamment à celle du dernier épisode qui est ensorcelante et magnifique avec la danse qui l’accompagne), mais ce que vous retiendrez surtout c’est ces deux magnifiques openings qui sont deux petits bijoux non pas pour la musique ou leur visuel, mais pour cette harmonie qu’ils semblent dégager. Je sais pas, c’est peut être moi mais j’ai cette impression.

Globalement le doublage (en v.o) est très bon, et il n’y a pas d’acteur en deça des autres, le casting est juste excellent avec un rôle principal très bien servi par Aoi Yuuki (en même temps c’est pas une surprise tant elle est douée). C’est amusant d’ailleurs que ce soit elle qui ait été choisie car elle a un timbre de voix très adulte dans son interprétation de Mao Mao ce qui tranche un peu avec l’âge de l’héroïne (qui a 17/18 ans je ne sais plus) mais cela colle parfaitement avec le caractère de l’apothicaire. Bref très bon choix, et je la préfère dans ce genre de rôle que dans celui qu’elle a dans « Rent a girlfriend ».

Histoire / Scénario:

En terme de contenu, il faut avant tout parler de la protagoniste (et j’encourage vraiment à ne pas spoiler sur notre petit chat qui est trop adorable). La série est clairement recentrée sur elle, et bon sang c’est un personnage très intéressant. Je vais tâcher d’être vague car il y a tellement à découvrir sur notre amie à taches de rousseur… Elle est la logique même, intelligente et attentive (aux autres et aux choses), elle va vous surprendre plus d’une fois. Parfois elle est facile à lire comme les mystères sur lesquels elle finit par tomber, mais parfois elle va faire briller vos yeux en vous disant que, finalement, ce petit perso de rien du tout il défonce tout. Comme on dit en langage jeune (et qui reprend du Sacha Distel sans le savoir, donc pas jeune du tout), Mao Mao « c’est du poulet ».

Mais après avoir fait une courte éloge de notre apothicaire, je me dois de parler un petit peu de l’histoire sans trop rentrer dans les détails. En somme, l’histoire part d’un enlèvement où Shao Mao se fait enlever par 3 gangsters qui la revendent à la cour Impériale, elle y devient une servante où elle effectue des tâches. En somme, rien de bien différent de quand on bosse pour Bernard Arnault en partant du bas de la pyramide (mais ça ruissèle dit-on). Shao Mao va alors se faire remarquer pour avoir pu prodiguer un excellent conseil à une des concubines de l’Empereur, et se retrouve à être gouteuse officielle (elle qui adore les poisons et les maitrise, c’est le paradis). De fil en aiguille, la petite apothicaire va se retrouver malgré elle mais grâce à ses capacités (et sa curiosité) dans des enquêtes qui vont l’amener à mieux comprendre le monde où elle vit, et à mieux se comprendre elle même, car c’est un sacré personnage cette Shao Mao.

(Notez que je l’appelle désormais Shao Mao, si vous voulez savoir pourquoi regardez la série)

Conclusion:

Vous remarquerez sans doute si vous êtes habitué.e à lire mes conneries que l’avis est très court cette fois. Et bien c’est parce que l’anime ne souffre pas vraiment de défaut, au plus c’est un animé qui demande un peu d’attention tant parfois il est dense et malin dans son intrigue. La faute à un personnage qui a tout d’une sorte de princesse de l’intelligence, une jeune fille qui laisse bouche bé tellement de gens, pour tellement de raisons, et qui est bien plus mature que la plupart des adultes qu’elle côtoie.

Mao Mao est un personnage qui tient une œuvre sur ses épaules, un personnage qui vaut la peine de regarder l’anime rien que pour elle, car elle est plein de ressources. Je n’ai volontairement pas détaillé car ce serait dommage, elle est vraiment dans la lignée de ces « detectives » dans l’animation japonaise, mais elle a un truc en plus que les autres n’ont pas (et je ne parle pas des ptites oreilles de chat qui lui pousse sur la tête à notre adorable Shao Mao). Je comprends mieux pourquoi le manga est si recommandé, l’anime est vraiment une belle réalisation, dommage d’avoir coexisté avec Frieren qui est au dessus parce qu’il a bénéficié d’un vent plus favorable probablement. Question de timing. Mais vous ne serez jamais déçu de cet anime, probablement du manga aussi, qui va finir par être un livre de chevet pour moi je sens (et j’ai déjà acheté l’ensemble des mangas de la collection donc j’ai du retard comme pour la petite elfe).

Ne loupez pas cet anime, vraiment, vous ne serez pas déçu. (et ce n’est pas un shoujo comme j’ai lu je ne sais plus où, c’est un anime dramatique et sur les mystères).

P.S: ne pas réutiliser tout ou partie de cet avis comme l’avait fait une chaîne Youtube qui a d’ailleurs prit un strike à l’époque. Je n’ai pas besoin de visibilité ni besoin qu’on me flatte l’égo en reprenant mes mots.

P.S.2: cet avis est sur l’ensemble de la saison jusqu’en mars, je ne donne pas d’avis partiels comme je l’ai vu sur des avis qui jugent une peinture avant que le peintre ai fini son travail.

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La critique était initialement sur SensCritique, elle a été migrée ici

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Du clair à l’obscur

Cette nouvelle saison d’Oshi no Ko retrace l’arc du « théâtre » et commence celui de la « vie privée ». On arrive dans un moment où l’histoire devient de plus en plus difficile et trompeuse car l’auteur est un véritable génie quand il s’agit de mentir. Je commence juste par ça pour que vous compreniez bien où vous mettez les pieds: Akasaka ment, l’anime ment et les personnages mentent. Il y a un mais, peut-être que moi même je mens car j’en sais plus que ce que la saison montrera!

Mais trêve de manipulations l’anime va d’abord introduire un arc très intéressant retraçant la partie théâtre dans une salle spéciale mélangeant une vue 180° (voire 360°) et des écrans où sont projetés des éléments de la scène / pièce. J’en parlerais un peu plus quand il s’agira de parler de l’histoire.

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• Visuels:

Aussi beaux que la saison 1, avec une petite touche colorisée en plus sur la partie théâtre. Il y a aussi la partie plus sombre de l’histoire qui est correctement marquée à la hauteur des enjeux. Et ces deux phrases ne comportent aucun mensonges. Terminé le temps des mensonges, la vérité arrive toujours à un moment.

Encore une fois le studio responsable de l’adaptation fait un travail qui montre un véritable amour de l’œuvre (et de Ai peut-être?), et tout, vraiment tout est beau. Et je suis en dessous de la vérité, car certaines scènes du manga sont sublimées à un point que l’on ne pouvait pas imaginer. En fait le type de théâtre qui est présenté est à mi chemin du cinéma et du théatre avec une exploitation du réel et de ce qui ne l’est pas. Cet anime, qui n’est pas « réel », rend hommage à cela sans trembler. On en prends plein les yeux, c’est génial, bon nombre de films n’arrivent pas à la cheville de cette saison d’Oshi no ko.

Point sur lequel j’aimerais attirer votre attention, car c’est un élément que, depuis Frieren, je fais très attention: le rythme. Ici c’est parfaitement rythmé, il y a peu de scènes un peu cassante sur le timing (c’est surtout des flashbacks mais ils sont plutôt essentiels quoi que c’est beaucoup de contexte qui aurait pu être imaginé). En somme et sur ce point précis de la mise en espace et dans le temps, c’est vraiment là où personnellement je me rends compte que je préfère l’anime au manga (alors que c’est littéralement le manga qui m’a redonné envie de lire du manga après 10 ans de pause!).

La partie « vie privée » commence juste, et devrait jouer sur le contraste obscurité / lumière sans trop de couleur, à terme, je n’en dis pas plus mais c’est finalement une récurrente dans les étoiles de nos protagonistes (ou mêmes dans les yeux d’Akane ou de Kana)

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• Audio:

le casting est le même avec quelques ajouts (notamment Ayane Sakura qui interprète disons l’alter ego sur écran de Aka Akasaka mais chut chut faut pas le dire). Il n’y a pas grand chose à dire sur la performance des acteurs, ils sont parfaits, vraiment, ils aiment cette série (Megumi Han <3). Oh j’oubliais un point: c’est toujours le premier rôle de Yurie Igoma. Pensez-y quand elle joue Ruby, parce que j’aimerais vraiment, mais vraiment, qu’elle joue d’autres rôles tant elle a un potentiel incroyable dans ses facettes. Cette saison 2 le montre clairement. Future grande seiyuu, à moins qu’elle décide de faire autre chose. Et surtout, Takeo Ootsuka va dans la pièce de théatre vous scotcher à l’écran, quelle performance pour l’acteur qui joue Aquamarine! C’est magistral, cette série tire vraiment le potentiel des acteurs vers le haut, c’est impressionnant.

Vous vous souvenez de la magnifique composition de Yoasobi? Et bien encore une fois, on a le droit à un opening riche musicalement, calqué sur ce que l’anime a à exprimer à travers la mascarade qu’est le théatre. La musique ne montre pas ses sentiments, contrairement à Idol qui était une vraie déclaration d’Ai Hoshino. Ici on est dans une parade démonstrative où le spectacle reigne. Quel opening! Si j’osais je dirais que comme Idol, il est impossible de faire un meilleur opening à cet arc du « théatre », et que meurs d’envie de voir ce que l’avenir nous réserve pour l’audio dans cet anime (parce que… vous verrez).

Cet opening est plein de glitches, de mélange de rap/jpop couplé à un piano jazzy. C’est du jamais vu.

L’ending, symboliquement, est rentré dans mon top 10 all time à la première seconde. Musicalement, visuellement, il est l’expression du personnage de Ruby à un moment clé de l’intrigue. Si une musique avait existé dans ma tête au moment où j’ai vu les pages dans le manga, cela aurait été celle ci, à 100% Brillant. Musicalement il n’est pas aussi « bon » que l’opening, mais le choix d’une musique doit se faire (ou bien l’écriture / composition) pour que cela colle à l’œuvre, et c’est le cas. C’est le plus difficile avec un anime dramatique, sans utiliser ni violon ni piano. Franchement bravo. Les paroles…

Oh j’oubliais un truc qui va peut-être vous perturber. Le groupe qui interprète l’opening s’appelle « Gemn ». C’est marrant car le signe astrologique Gemini (Gémeaux) présente des jumeaux. Oh puis puisque l’on parle de mots, Ruby est une gemme (Gemn? nan sans rire quel hasard). Vous savez… l’adaptation d’Oshi no Ko et son manga originel ne sont qu’une question d’attention, il ne faut surtout pas le laisser vous perdre car il est très attaché à la symbolique. Oh puis ces paroles… « un amour fatal », « un destin fatidique » et « un chagrin inévitable »… (sur la traduction faîte par Deformer Lua) C’est pas juste le meilleur résumé d’Oshi no Ko ?

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• Histoire:

On va traverser deux arcs du manga ici, ou du moins en entamer partiellement un et en terminer un complètement. L’arc du théâtre est clairement une façon pour l’auteur de montrer combien les œuvres s’adaptent dans la douleur le plus souvent, et avec des modifications pour les embellir ou les changer (c’est un tout petit peu le cas d’Oshi No Ko qui bénéficie de rajouts). C’est une façon de rappeler au spectateur que le show bisness n’est pas si simple, et que transgresser l’œuvre n’est parfois pas un mal. L’arc du théâtre parle d’un manga, « Tokyo Blade » (rien à voir fils unique, aucun rapport avec un anime existant, lol) qui va voir son adaptation dans un théâtre un peu particulier dont la scène est mobile. Au delà de la mobilité de la scène, des écrans sont utilisables pour projeter des scènes, et le décor en lui même peut-être changé rapidement sur 360° histoire de ne pas faire attendre les spectateurs. D’ailleurs je ne sais pas si ça existe dans le monde réel, je n’avais jamais entendu parler de ça avant de lire l’arc du manga il y a quelques mois. L’adaptation de ce manga se déroulera avec Kana et Akane, ainsi que d’autres membres de la compagnie LalaLai (où Aï a appris à jouer la comédie, pour rappel). On retrouve donc forcément Aqua dans le casting de l’adaptation de Tokyo Blade. Cet arc est particulièrement fort et bien illustré, même si ici encore je le trouve un peu ennuyant, la représentation théâtrale est l’un des moments les plus magiques de l’anime. C’est beau, entrecoupé de flashbacks et avec un casting qui joue avec ses tripes. Cet arc est vraiment quelque chose de plutôt unique dans l’œuvre « pour le moment ». J’vais pas trop développer là dessus, c’est quasi une expérience que ce vivre le chemin qui arrive à la représentation, et que cette dernière est le plus important.

On passe ensuite à un arc que l’on appelle « Vie Privée » (du moins son début), où Les B-Komachi (les nouvelles) se retrouvent à devoir aller tourner des vidéos clips pour leurs nouvelles chansons, Akane et Aqua se retrouvant à les accompagner même si leur relation n’est plus tout à fait la même. Cet arc débute juste, et va radicalement changer la couleur de l’œuvre. Pourquoi? Car le lieu de tournage est la ville de naissance d’Aqua et Ruby, celle de mort de Goro et de Sorina, et lieu un peu mystique à bien des égards (pour les deux du fond qui dorment, à la base Goro et Sorina sont réincarnés dans Aqua et Ruby, les enfants d’Aï Hoshino). Le plus dur dans Oshi No Ko c’est quand une vérité ignorée apparaît, et l’anime va vous surprendre, car théorème du jour: Aka Akasaka vous ment et envoie des leurres, et quand il dit la vérité, il casse tout.

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• Conclusion:

La saison 2 d’Oshi No Ko est, encore une fois, une façon unique de montrer l’envers du décor d’un monde auquel le manga et l’anime font partie. A vrai dire, quand on est dans le manga, on sait bien comment les choses vont tourner, et c’est pour ça que je vais dire simplement quelque chose de simple: Oshi No Ko est une série comme il n’y en a pas deux. Elle ne joue pas sur le terrains des autres séries, et elle est écrite de manière à manipuler ses spectateurs par quelqu’un qui a un talent pour ça. Oshi no Ko est une série vrai et cruelle comme le monde, mais belle et divertissante comme le monde.

Ne croyez pas que les spoilers du manga que vous auriez pu apercevoir vous avance dans quelque chose que vous pensez maîtriser et qui pourrait vous révolter, vous êtes loin, très loin. L’anime est arrivé dans un arc qui change le point de vue et qui ne laisse plus le spectateur bailler aux corbeaux (ou aux corneilles je ne sais plus). Si j’étais vous, je regarderais cette saison, et la prochaine à venir, pour peu que les animes fait avec autant de soin et qui ont une tendance à pouvoir être qualifiés de chef d’œuvre ne vous fait pas peur. Pas besoin de parler en russe, l’anime parle vrai. Et j’écris tout ça alors que je ne suis pas un fan de l’arc du théâtre qui est un poil longuet à mon goût.

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P.S.1: Cet avis est dédié à Mayu Tomita, encore, toujours. Ce sera le cas de chaque chose que j’écrirais sur Oshi No Ko, parce que je ne veux pas qu’on oublie ce qui lui est arrivé, et combien ces imbéciles qui font cela ne méritent pas de considération.

P.S.2: Mes écrits n’engagent que moi et ne sont pas réutilisables.

P.S.3: La saison est multi recompensée sur Anime Corner. Comme quoi…

P.S.4: Ruby… <3 (elle va tellement vous éblouir dans la saison 3!) . Sinon fuck les spoilers, vous essayez de spoiler des trucs sans les comprendre. Le foreshadowing, ça s’apprend. Y’en a un hénaurme dans le dernier épisode, mais ce sera pour bien plus tard 🙂 . Quand des crétins spoilent un chapitre du manga, ils ont juste zappé que sans contexte, il est mal interprété. Toujours. Je l’ai répété plusieurs fois pour cette raison, Akasaka sensei ment !

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Cet avis était initialement sur SensCritique, il a été rapatrié ici pour diverses raisons

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Maid In Dragon

La règle générale pour ce que je visionne (une oeuvre) est d’éviter à tout prix l’héroic fantaisy. Les dragons, c’est pas mon truc. Je n’aime pas les épopées où de preux chevaliers recouvrent la liberté de leur royaume au prix de combats épiques contre des forces surpuissantes, armées de dragons et autres mages noirs. Cela m’ennuie et je n’y trouve aucun intérêt, quelque soit l’oeuvre.
Mais bon, un dragon qui se transforme en maid et qui vit avec une informaticienne, ça me rappellera un peu une de mes exs copines qui était forcément de la même lignée qu’une de nos héroïnes.

Kobayashi-san Chi no Maid Dragon est un animé qui part d’un principe simple: si vous êtes bourré, ne sauvez pas un dragon car il viendrait vivre chez vous. En 2017, chez Kyoani on avait grave fumé la moquette quand même. Ou plutôt rendons à César ce qui appartient à l’auteur de l’oeuvre:
Donc cet animé complètement barré va nous raconter la vie de Mlle Kobayashi, qui est une informaticienne dont la vie est plutôt normale jusqu’au jour où un dragon sonne à sa porte. (Je fais un métier proche de notre héroïne, ça m’est jamais encore arrivé je tiens à sauver l’honneur de la profession). Ce dragon,prénommé Thor, se changera en Maid dans la minute et dévouera alors sa vie à Mlle Kobayashi pour la servir. (Et ça non plus ça ne m’est jamais arrivé, pas une maid qui débarque chez moi comme ça, monde de merde).

L’animé est classé « cuteness overload absolute mega power super great ultra » par mes soins car d’un coup je me suis mis à penser comme Yuko dans Nichijou en voyant les dragonnes (non pas celles de vos sacs ou de vos capuches). Plus mignon tu meurs. L’aspect graphique de cette oeuvre est absolument incroyable, maniant des partis pris à certains moments (presque aquarelle) avec une perfection mignonne à d’autres. L’animé assume ce qu’il est, sans faute et sans faille. Peut-être est-il un peu sombre parfois, limite flippant mais c’est l’histoire qui amène cela.

On apprend l’origine de l’histoire qu’assez tard dans la série, mais la rencontre est drôle, franchement. D’ailleurs c’est un point fort de l’animé, qui tape souvent dans le clichés en se moquant de lui même, ne serait-ce que par le titre des épisodes. L’animé assume ce qu’il est dans son scénario. Mieux, il joue des clichés, joue des sentiments, joue avec les références pour arriver à son message final. Rien d’exceptionnel, mais je m’attendais pas à avoir une poussière dans l’œil à certains moments, car il est émouvant et ne fait pas semblant. C’est ça que personnellement j’attends d’un animé, qu’il soit capable de tout. Nichijou est comme ça aussi, c’est une agréable surprise que ce trop court animé, on aurait aimé plus de développement en dehors de nos 3 héroines. L’histoire est rushée à mort, dommage car c’est en ça qu’il aurait pu se distinguer.

Quel opening! La pêche absolue, impossible de l’oublier. « Chu chu yeah ». Ending correct, bande son ok. Quand au doublage original, va falloir que je revois ma base de données de seiyus, j’ai été assez perdu en voyant les noms… Le temps passe et je perds mes repères sur ce point.

Avec un nom aussi compliqué, cette série est un accident de visionnage. Je n’aurais pas du regarder cette série, Soyons sérieux 30 secondes, une maid dragon? On a envie de crier « Japoooooon ». Il y a presque des tentacules, c’est un peu ecchi… vraiment une série animée bizarre.

Et pourtant… c’est un animé de très bonne qualité, qui sait ce qu’elle est et ce qu’elle fait. Elle
se moque d’elle même, est capable de donner de la joie ou de communiquer la tristesse. Elle utilise les codes de la culture otaku à foison.
Qu’attendre de plus d’un animé aussi court? Rien. Il est difficile de faire mieux avec de tels risques pris, une longueur aussi courte et un sujet aussi bizarre.
Bref c’est une grande surprise, et puisque cet animé était dans ma liste Kyoani depuis peu, il s’inscrit clairement dans la qualité et dans la suite des animés un peu différents, fait avec du talent d’écriture et de design. C’est tout le contraire de l’hyper production de séries populaires construites au kilomètre, et c’est pour ça que cet animé doit être vu, pour que ce qui est un art garde ce nom avant de disparaître au profit de l’industrialisation Narutonienne et finisse en une seule pièce d’ouvrage. Profitons de cette oeuvre, avant que les séries de qualité ne deviennent une légende, comme les dragons en fait.

P.S: le serpent à plumes de la mythologique aztèque (Quetzalcoatl) de la même façon. J’ai même considéré, par mon métier, appeler un serveur ainsi par le passé dans le cadre d’un projet mexicain. Vu l’animé… cette idée ne viendra plus jamais en moi 🙂

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Cet avis était initialement sur SensCritique, il a été retiré pour diverses raisons

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L’amour est un bouquet de Violet

Dans ce monde de brutes où les mêmes franchises vendent encore et encore, l’originalité se fait rare. Et pourtant Kyoani se lance dans une petite série originale au doux nom pas évocateur du tout, mais qui semble-t-il a de la ressource sous la plume.

Nul besoin de pitcher ici, l’héroïne l’aurait probablement mieux fait que moi, je tape moins vite qu’elle sur un clavier. Violet va donc vous faire vivre sa deuxième vie, celle de poupée de souvenir automatique.

Même si elle serait privée de chocolat dans un monde réel, notre petite Violet est attachante comme personnage, progressivement on finit par aimer et avoir de l’empathie pour ce personnage très atypique. Elle m’a fait penser un peu à « Madlax » dans la série éponyme de Beetrain il y a bien longtemps, mais en plus classe après sa période militaire.
Là où l’on pourra trouver le principal défaut de la série, c’est dans la structure de la narration. Les épisodes se ressemblent beaucoup et semblent toujours construis pour arriver à cette émotion finale (avec le mariage princier, avec l’auteur et sa petite fille etc…) et c’est un poil agaçant de sentir que la série vous indique où pleurer. Sincèrement il n’y avait pas besoin de marquer autant le récit par la musique, par les repères visuels, car l’histoire se suffit à elle-même. C’est dommage d’avoir un peu stéréotypé l’ensemble.

Néanmoins il faut faire une parenthèse sur un épisode, le numéro 10. Dans l’animation japonaise, un épisode ressort de temps en temps et ce même quand l’oeuvre est bonne. Ici c’est ce fameux numéro 10. Le niveau global de la série est très bon, mais celui-ci est un exemple de tout ce qu’il faut faire dans ce genre d’oeuvre. Je le classe dans le même niveau qu’un certain épisode de Clannad qui est tout aussi bouleversant.

Ce n’est pas tout, même s’il y a un défaut de rythme et de stéréotype, bon sang que cette série est visuellement irréprochable. C’est fantastique de beauté, on est au niveau de ce que l’animation fait de mieux. Tout est beau, tout est juste. On est très très loin des débuts du studio de Kyoani, on est dans les standards des plus beaux films d’animation japonaise. La musique est très dans le ton, j’adhère pas spécialement car elle renforce ce petit effet « pathos à la demande », même si objectivement il est difficile de repprocher quelque chose à la série sur ce point précis.

Et en conclusion, simplement Violet Evergarden est une petite pépite de 13 épisodes, une singularité scénaristique brillante dans un monde de bourrins, une fleur violette dans un bain de sang guerrier. Vous ne serez pas déçus et consommerez quelques mouchoirs en papier, et à titre personnel c’est ma première série animée depuis longtemps (Rewrite la dernière, j’avais adoré le VN et la série m’avait faché avec le genre). Elle m’a réconcilié avec ces oeuvres, donc merci à Violet.

P.S: j’ai revu la série plus d’un an après après les évènements chez Kyoani. J’ai décidé de lui attribuer une meilleure note car je l’avais jugé un peu durement. Ce défaut que j’avais cru percevoir de construction ne gène nullement, j’ai été trop sévère. Elle obtient donc un 9/10 mérité, car elle est la deuxième série à m’avoir fait hurler de douleur intérieurement. Peut-être est-ce lié au contexte, mais il semblerait que cette série soit destinée à être une sorte de purgatoire à sentiments pour moi, en pensant que comme pour Violet avec le major, au jour où j’écris ce petit complément, on ne sait pas si la série survivra à ses pertes humaines. C’est même pas la série ou le film qui compte, c’est ces pertes inestimables qui ont probablement œuvré sur cet animé… J’ai l’impression qu’on est tous comme Violet et qu’on a perdu le Major, on est juste pas prêts à être libres et à vivre sans Kyoani.

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Cet avis était originalement sur SensCritique, il a été retiré pour diverses raisons

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Cet anime n’est pas un anime sur le cyclimse

Il est clair que Saint Exupéry n’y connaissait rien. Rendez-vous compte, le gars s’est crashé en avion après avoir écrit « on ne voit bien qu’avec le cœur, l’essentiel est invisible pour les yeux ». Sauf que la piste d’atterrissage est toujours visible pour les yeux, et on ne voit bien qu’avec les yeux en avion.
D’ailleurs cela n’a rien à voir, mais pour le cosplay, c’est pareil. Prenons par exemple un anime qui parlerait de cela, et qui aurait une héroïne belle comme tout et attachante. Imaginons qu’elle aime les cosplays sexy, qu’elle ait quelque attributs qui pourrait faire penser qu’elle est issue d’une lignée de dragons venant d’un autre anime, et pourtant son seul pouvoir magique est d’hypnotiser le spectateur (ou celui qu’elle aime).
Là, Saint Exupéry n’aurait pas à dire qu’on ne voit bien qu’avec le cœur. Ou enfin si, on ne voit bien qu’en regardant alternativement avec le cœur et les yeux, car ça évite les accidents et ça facilite les coups de foudre. D’ailleurs, si vous êtes en avion et qu’il y a de la foudre, soyez inquiets.
Sur ces paroles pleines de folie non dissimulée, je vous propose un court résumé d’un anime qui n’a pas finit de faire parler de lui.

• Choix des tissus

CloverWorks s’est surpassé. Enfin pas tant sur cet anime, mais plus sur Akebi, mais j’en parlerais probablement. Néanmoins, on remarque une certaine propension à être assez réaliste comme dans Akebi, mais en gardant un côté manga (et je vais me mettre au manga, ayant commandé les tomes parus). En gros, il n’y a pas de failles dans la façon de faire, l’anime est vraiment plaisant à voir, Marine saura ravir l’œil des spectateurs en mal de fan service.
Et oui j’ai dit fan service, mais c’est la dernière fois, car si vous considérez que l’anime en fait un usage outrancier, je vous prierais donc d’arrêter votre lecture ici, c’est que vous n’avez pas compris que l’anime a un fond et que si l’anime assume complètement son côté ecchi assez léger, si c’est une gêne, je pense que vous faîtes une grossière erreur de voir cela comme un handicap, car la tension érotique est un procédé employé des centaines de fois dans le cinéma. Des chefs d’œuvres en sont nés, et cette anime n’incarne pas le puritanisme, et c’est tant mieux.
Bref ça déboîte, certaines scènes, notamment quand Marine est assise et regarde Gojô n’ont rien à envier à des comédies romantiques de film, la symbolique est importante dans ce film, bien au delà de l’aspect « beauté fatale » de Marine.

– La voix du cosplay

J’ai l’impression que y’a des petits malins qui ont composés un op et un ed qui se répondent dans l’intention. En gros on y retrouve de façon subtile, les deux facettes de l’héroïne, la sulfureuse cosplayeuse très jolie et la tendre jeune fille qui succombe à celui qui réalise ses rêves. Cette dualité est importante, car je pense qu’elle est la clef pour apprécier le personnage, car si elle avait fait de la poterie, ça aurait été la même.
Un gros coup de cœur sur la comédienne de doublage, Hina Suguta, qui EST le personnage qu’elle joue. On sent comme une osmose, preuve que l’actrice s’éclate à jouer ce personnage, un peu comme Takahasi Rie incarne parfaitement Takagi. Et à vrai dire, ce n’est pas qu’elle, c’est le duo de comédiens, puisque l’anime tourne quasi qu’autour d’eux, et Shouya Ishige montre une belle complicité, et une certaine naïveté dans sa façon de faire. Le duo est parfait.

– Cousu de soie blanche?

« Sexy Cosplay Doll » a un titre qui ne laisse pas de doute sur ce que l’on pourrait voir. Et pourtant, c’est pas si simple. Devenu « My dress-up darling » parce que visiblement un commercial de chez Mattel travaille chez Sony, cela n’aura pas pour autant atténué la teneur de l’histoire. A noter et avant de continuer, que l’anime est plutôt à recommander à un public averti et acceptant la quasi nudité.
Bref, tout cela pour dire que l’anime raconte avant tout une histoire de deux lycéens, une fille populaire, Marine, et un type un peu banal, Gojô, passionné de poupées traditionnelles japonaises. Un jour, la belle Marine apprend demande à Gojô de bien vouloir lui confectionner un costume pour un de ses cosplays… mais il n’imagine pas dans quoi il va plonger…
Et forcément, quand on parle cosplay de jolies filles, une partie du public ne peut s’empêcher d’imaginer que tout cela n’est fait que pour alimenter une partie de la gente masculine au travers de fantasmes divers et inavouables. Il est évident que les cosplayeuses ne font ça que pour ça.
Ou pas.
Ainsi l’anime montre au travers de scènes parfois drôles comment la confection d’un costume se fait, quelque soit le type du costume. Et manque de bol pour Gojô, Marine est jolie et veut incarner des personnages plutôt sexy. L’humour côtoie une belle romance, ponctuée de scènes intelligemment écrites, et d’autres scènes beaucoup moins équivoques où les deux lycéens auront des difficultés à se situer et ne sauront plus où se mettre. J’avoue qu’à titre personnel, la plastique de Marine n’avait pas beaucoup d’importance, mais disons que ces deux idiots qui se tournent autour sont à mourir de rire, et parfois savent émouvoir jusqu’aux larmes.

– Conclusion

My dress-up darling n’est pas un réchauffé de soupe de romcom, c’est une bisque que l’on ne sert pas sur le trottoir, un plat de grand restaurant. Point de riz réchauffé au micro-ondes, un sujet original en lieu et place. Montrant les facéties d’un personnage très haut en couleur et très court vétu mixé à un type un peu spécial, on peut assister à quelque chose de plutôt unique. Cet anime est une preuve qu’une voie existe dans la romcom un peu ecchi, car cela n’apporte qu’un peu de piment dans un monde où finalement, ceux qui se fichent du regard des autres et font ce qu’ils veulent ont raison. C’est fou ce que la tolérance rend sexy, plus qu’un cosplay et que les mauvaises intentions ne sont, parfois, qu’imaginaires.
Si t’as pas vu « My dress-up darling » en 2022, t’as loupé ta vie en gros 🙂

P.S: j’ai réussi finalement à éviter de parler des gens qui tentent de cancel l’anime car Marine utilise du fond de teint pour le corps pour un cosplay (et donc elle a pas le droit, probablement à cause de la police du goût?) ou bien cette fameuse scène du Love Hotel. C’est vrai qu’elle est scandaleuse, ce téléphone qui sonne alors qu’ils sont dans une position où l’un et l’autre ne sauront de toute façon pas quoi faire, c’est fou.
Un point important, personne ne vous oblige à regarder l’anime. Il reste possible d’argumenter pour expliquer en quoi cette scène est choquante et inapproprié à la vue du sujet de l’anime (qui ne parle pas de couture, du moins très peu). Personne ne vous oblige à vous exprimer sur l’anime en sortant du contexte d’un extrait de 10 secs sur 12 épisodes de 26 minutes. Votre opinion est importante, mais sachez argumenter et pas simplement surfer sur la mode qui consiste à s’offusquer contre cette anime en disant « oh la la ils sont l’un sur l’autre c’est honteux ».

P.P.S: Et en plus y’a le remake de Urusei Yatsura. Seconde vague de gens indignés à venir.

(Cet avis était originalement sur SensCritique, il a été retiré pour diverses raisons)

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Ce groupe là

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J’ai passé une dizaine de mois en étant sûr de l’anime de l’année, qui serait une superbe histoire d’amour, avec une héroïne jolie mais un peu excentrique et un héros qui lui correspond à 100%. Un anime où il y aurait de la couture et du sexy, un anime qui n’aurait pas eu peur de choquer les bonnes mœurs.

Et j’ai eu tort.

Au loin est arrivé au galot un anime qui criait si fort sa solitude qu’il allait hanter mon attention, qu’il ferait que j’essayerais en vain une raison de lui préférer un anime qui, avant lui, mettait en avant un groupe de filles faisant de la musique.

Rien n’y a fait.

Je crois que quand un studio, une autrice de manga et le public sont autant à ramer dans le même sens avec un anime au sujet pourtant si simple, il ne faut que finalement donner quelques coups de rames aussi, juste pour entendre l’héroïne crier encore plus fort sa solitude à travers sa guitare si juste de génie.

Hitori « Bocchi » Gotou passe le plus clair de son temps à pratiquer la guitare malgré son aspiration à se faire des amis et à monter un groupe malgré son anxiété sociale particulièrement forte. Un jour, le destin lui joue un tour car par un hasard incroyable en la personne de Nijika Ijichi jouant de la batterie, elle se retrouve à rejoindre le groupe « Kessoku » (les Attaches) alors que la guitariste, Ikuyo Kita (!) leur pose un lapin avant un concert. Elle rencontre donc Ryou Yamada, la bassiste très relax du groupe. Le groupe performe alors son premier concert, et finalement Kita rejoint le groupe par la suite. Le groupe commence alors son aventure alors que chacune donne le meilleur d’elle même avec tout son coeur pour profiter du lycée à fond.

• Visuel

Je suis un petit peu mitigé et stupéfait du visuel. L’anime utilise des procédés (on ne dessine pas les yeux sur certains plans larges etc) que je n’aime pas trop, la faute à Kyoani qui habitue à trop de détails? Mais soit, CloverWorks n’est pas un studio qui débute, ils savent ce qu’ils font et ce sont certains détails comme cela que je n’aime pas chez eux. Cependant, je dois reconnaître que dans la façon de filmer certains gags absurdes de l’anime, on est dans la folie pure parfois, dans le délire de gens qui se sont amusé sur ce projet. C’est tellement agréable à voir, on est dans l’anime, réellement. On sent vraiment notre petite Bocchi déprimer, et personnellement j’ai ris volontiers à certaines des têtes qu’elle faisait, car l’anime c’est ce ptit bout de fille trop choupinou qui vaut à lui seul le sceau « cute girl doing cute thing ». Parfois elle n’est pas mignonne bien sûr, un peu trash, parfois elle est jolie etc etc. D’ailleurs un point majeur de discorde avec un anime le précédent d’une dizaine d’années et parlant de musique et de thé, Bocchi The Rock semble se moquer d’être mignon, car il n’hésite pas à montrer du trash, du rock, comme une des persos secondaires bourrée et reloue avec Bocchi.

Bref le caractère des filles est bien représenté et rien ne leur est épargné! Quand on sait que y’a du staff commun à cet anime, à Wonder Egg Priority et à My Dress up darling, on comprends vite pourquoi c’est aussi original et pas ennuyant visuellement. A mes yeux le meilleur travail du studio CloverWorks.

Petit rajout que j’ai oublié de préciser: le soin du détail en terme de D.A est assez dingue, si bien que la lumière change dans la façon d’éclairer les scènes de concert pour terminer sur une scène très lumineuse. C’est symbolique, mais rien que cette façon de faire montre que cet anime sait a été géré par des gens qui savaient très bien ce qu’ils faisaient.

• Sonorisation

Une claque. L’opening très classe, la première chanson de concert très agréable, mais l’anime change de perspective au 8ème épisode. L’anime qui était un peu renfermé au moment de la musique (à l’image de Bocchi) nous sort littéralement un passage digne d’un concert en salle avec peu de monde, et avec un groupe talentueux. Mais ce serait facile de dire ça, car « あのバンド » (Ano Bando) est une petite bombe à lui tout seul. J’imagine très bien ce qu’on ressenti les gens qui ont entendu Aya Hirano chantant « God Knows » à l’époque, car c’est littéralement un moment marquant, car ce genre de musique en partie prenante de l’histoire, c’est rare car le rock reste quelque chose qui se « rentabilise » et qui est un peu cradoque, pour les gens à cheveux longs. J’entends pas le rock à la K-On! qui est agréable et facile à écouter.

Ici rien de ça, la musique est inaccessible et complètement débridée, avec des paroles offensives (quoi que la musique s’adouci vers la fin et devient plus technique). Et les comédiennes de doublages… ohlala, mais ohlala. Un cœur avec les doigts. Yoshino Aoyama joue une « Bocchi » parfaite, en retrait dans sa façon d’être mais avec une volonté d’acier, Saku Mizuno (une débuante quasiment) interprète une Ryou si mystérieuse que l’on oublierait que c’est une interprétation. Elles sont bien épaulées par Sayumi Suzushiro, que l’on a déjà pas mal entendu dans des rôles secondaires mais qui ici joue un rôle important, celui de Nijika et qui s’avère convaincante. Il y a bien entendu Ikumi Hasegawa dans le rôle de Kita (désolé le prénom Ikuyo j’ai du mal lol), pleine d’énergie bien rendue par l’actrice. Et je vous cache une partie du casting (notamment car la soeur de Nijika est jouée par une de mes actrices préférées), mais c’est pas mal du tout tout ça, vraiment.

Et puis il faut souligner le travail de tous les auteurs de chansons et la super douée Kayoko Kusano, qui a composé Ano Bando. Y’a de très beaux animes cette année, des openings magnifique comme celui de Spy Family, mais cet insert song envoie valser tout ce qui s’est présenté sur la table des chansons dans les animes. Les paroles sont pas géniales, mais c’est totalement ça qu’il faut dans un anime de musique, si je ne voulais pas argumenter, je dirais que c’est un « banger » mais ce serait réducteur. Rarement un anime aura vu autant de soin dans la compo, c’est beau et ça donne envie d’aimer l’animation japonaise encore plus après tout ça.

• Histoire

Des filles et un poti peu de mignon. Un lycée, une anxiété sociale et du rock qui tâche. Non Komi n’est pas entrée en collision avec K-On! qui aurait décidé de reprendre la musique de la sensei dans K-On!. Mais on a une espèce d’anime à la fois « kawaii » par moment, un peu spécial car il faut dire que le personnage principal se déprécie puissance 1000, donc parfois elle est se jette à la poubelle (littéralement), et parfois l’anime devient ultra incroyable mode taratata concert privé de malade avec la réalisation qui va bien. J’ai déjà parlé de tout ça dans la partie visuel, mais l’identité de l’anime est insondable, il est trop rock pour les humains que nous sommes. En effet, le groupes des « Attaches » est un groupe attachant (ben voyons) par son imperfection, par ses biais. Kita est très mignonne mais a une attitude un peu crainge envers Ryou, qui elle est vraiment mystique et différente, très androgyne mais plutôt mignonne dans son style. Pareil pour Ijichi, qui est finalement la plus normale mais qui a un poids sur le cœur et sur les épaules et ça la fait vite tomber dans l’abattement. Reste Gotô, que l’on appelle Bocchi, qui se révèle dès le début comme une génie de la guitare, avec des intentions pas très très pure sur ce qu’elle veut faire de ce talent, et qui tombe au hasard dans ce groupe alors qu’elle est clairement mal à l’aise en société. Elle aussi est mignonne et a des yeux magnifiques, mais elle ne s’aime pas du tout et le montre bien dans ses tenues.

Petit à petit notre groupe progresse, et au travers de mises en scènes d’un autre monde, de délire psychédéliques, d’hommage à l’animation à profusion, cet anime est une déclaration d’amour à plein plein de choses, y compris à l’art dans toute ses formes. Mais ce n’est pas que ça l’origine de sa popularité. Certes titiller les fans avec des références, cela joue. certes l’originalité (je ne vous spolerais rien!) et le délire absurde de certaines scènes est drôle quand on y est sensible, mais la déclaration d’amour à la musique, aux symboliques d’éclairage, aux mouvements des filles du groupe. Bref l’anime fait tout pour que vous tombiez amoureux

de ce que vous voyez. Et pour les deux trois prêcheurs de la bonne paroles, c’est une métaphore, il ne s’agit pas de tomber amoureux de lycéennes. Bocchi the Rock est une fiction et les personnages n’existent pas (je me permets ce rappel, veuillez m’en excuser).

Ceci dit, vient l’immanquable comparaison à K-On!. Les animes sont différents, car foncièrement les membres du groupe « les Attaches » ne sont pas dans une vie assez aseptisée comme les filles de K-On!, elles connaissent leurs doutes (l’argent, l’angoisse en société, le besoin de réaliser un rêve pour une raison noble). Les filles dans K-On! sont amusantes et leur musique est lumineuse, ici elles sont drôles par leur incapacité à être lisses comme des lycéennes typiques, leur musique n’est pas super joyeuse et plutôt forte et technique. Même Kita qui est une fille rayonnante, je le redis, n’est pas si lisse. Et ça, c’est génial. C’est la première fois que je vois un anime sur la musique qui est aussi prenant, aussi fort sur tout ce qu’il montre, même dans son histoire pourtant simple il est accrocheur en présentant cela avec plein plein d’aspérités scénaristique. Même Maître Yoda ne devinerait pas la suite parfois. Et souvenez vous bien d’être attentif sur les concerts, car l’épisode 8 envoie du bois, mais du bois genre bûche de sequoias immenses.

• Conclusion

A quel moment on se rend compte qu’un anime devient, selon nous, le meilleur anime de l’année? Pour moi c’est quand il fait quelque chose de tellement fou, de tellement inattendu, que je n’imaginais jamais voir ça dans ce type de production. My Dress up darling est totalement comme ça, car il dérange les bien pensants et ose mêler des loisirs et des pratiques avec deux protagonistes opposés, et ça donne une des plus belles romances dans l’animation (encore plus dans le manga). Mais les gens retiennent le « ecchi ».

Pour « Bocchi the rock« , j’ai hâte de voir les haineux, les bien pensants, ou les critiques car je n’ai pas écouté ceux qui critiquaient. Après l’épisode 8 où une seule scène m’a fait chavirer du côté de l’admiration pour Bocchi, et de l’adoration pour l’anime, je me suis dit que cet anime avait super bien caché son jeu en se la jouant gentil, mignon, absurde. Plus le temps passe et plus l’anime rajoute des cordes à son arc et plus c’est difficile pour un type qui aime tout ce que propose cet anime de ne pas le considérer comme le meilleur. Malgré Spy X Family qui est fabuleux, malgré plein d’autres qui semblent être qualitatifs dans leur genre et qui cartonnent (comme Chainsawman), malgré la superbe saison de Kaguya Sama… C’est dire combien Bocchi The Rock est un immense anime qui a coché toutes les cases en parlant à une grande majorité directement là où la musique se loge et où ce qui fait le caractère de ces petites nanas ordinaires nous parle directement.

La proposition est un peu différente du reste de la production, et parle à plein de publics et plaira à beaucoup pour tellement de raisons… Chaque décennie semble trouver son anime musical, même s’ils sont différents, celui là n’a pas fini de faire parler de lui. Magnifique, vraiment, encore mais pas trop car malgré tout cela reste léger, il faudra se renouveler car la surprise ne marchera pas deux fois 🙂

Et tout cet avis ultra subjectif pour en arriver à la conclusion que Bocchi The Rock est certainement le meilleur anime musical, et en tout cas le meilleur de 2022 et l’une des 50 meilleures séries de tous les temps en japanime. Bravo à tout le staff, c’est une dinguerie, un ovni que personne n’a vu arriver.

P.S: quelques clins d’œil à Slow Loop dans cet anime, et dans Slow Loop un clin d’œil à cet anime.

P.S.2: je re-regarde certains passages, et je finis par noter à quel point l’anime est soigné notamment cet épisode 8. A un moment précis de l’épisode, celui qui a tant fait parler, sachez que vous pouvez localiser en fermant les yeux où sont les instruments tellement la spatialisation est soignée. Je suis un peu sur le cul de m’être rendu compte de ça honnêtement. (N.B: erratum, c’est dans l’album qui est bien réalisé pour le coup et qui s’adapte à l’anime sur ce point, pas souvenir de ce genre de spatialisation volontaire sur K-On!)

P.S.3: bien entendu tout ce qui est écrit ici n’engage que moi et ne peut être utilisé sans mon accord, y compris le moment qui va suivre: Bocchi The Rock m’a fait vivre un des meilleurs moments de mes visionnages d’animes avec cet épisode 8, c’est dans mon top 5. Vous pouvez mettre 1/10 et notez One Piece 10/10, par exemple et « comme par hasard » comme j’ai vu certains faire sur ce site, mais se cacher la vérité sur la qualité réelle ne la rendra pas vraie pour autant, ni maintenant, ni dans 10 ans.

Et ce n’est pas parce que la majorité le trouve bien qu’il l’est forcément, la qualité d’une œuvre c’est quand un anime, au milieu d’une saison remplie de mastodontes, s’en sort la tête très haute avec des filles plutôt mignonnes qui font de la musique. Juste ça. Et j’espère que ça va bien mettre les boules à tout ceux qui dans la profession mise tout sur les sorties de divertissements à public d’excités, car y’a un public pour les choses dont le public apprécie l’art qu’est l’animation, et pour autre chose que de la stimulation d’hormones masculines quand un personnage lambda apparaît à l’écran.

P.S.4: Tout ce contenu et toutes mes conneries ne doivent pas sortir de ce site, gardez ça pour vous. Désolé c’était long, mais il me restait encore 3 pages de notes sur cet anime… ça se sent que je voulais en parler et que j’ai commencé à écrire bien avant la fin? 🙂

P.S.5: fin de la pénurie

P.S.6: Anime de l’année. Voilà, c’est pas moi qui l’ai dit, enfin si mais visiblement une majeure partie de l’audience a choisi de récompenser Bocchi The Rock! comme peu d’anime avant lui.

P.S.7 le 16/10/2024: les deux films apportaient quelques scènes inédites, mais surtout un lot de nouvelles chansons. Ceux qui n’ont pas eu la chance de voir le film n’ont pas loupé grand chose, la saison à venir sera très clairement plus riche en nouveau contenu (et Crunchyroll visiblement n’a pas testé sa police d’écriture des sous titres, illisible sur du blanc. Comme d’hab, Sony est une petite entreprise qui découvre le cinéma)